Biografie von Aaron Copland

Aaron Copland war im zweiten Viertel des zwanzigsten Jahrhunderts eine der wichtigsten Persönlichkeiten der amerikanischen Musik, sowohl als Komponist (Musikschriftsteller) als auch als Sprecher, dem es darum ging, den Amerikanern die Bedeutung der Musik bewusst zu machen. 1945 gewann er den Pulitzer-Preis für Musik.

Frühes Leben und Ausbildung

Aaron Copland wurde am 14. November 1900 in Brooklyn, New York, als jüngstes von fünf Kindern von Harris Morris Copland und Sarah Mittenthal Copland geboren. Die Familie lebte über einem Kaufhaus, das sie besaßen. Als er elf Jahre alt war, brachte ihm eine von Coplands Schwestern das Klavierspielen bei, und bald darauf begann er, Unterricht bei einem Lehrer in der Nachbarschaft zu nehmen. Mit fünfzehn Jahren beschloss er, Komponist zu werden. Während des Besuchs der Knabenschule begann er ab 1917 Musiktheorie zu studieren.

Copland setzte seinen Musikunterricht nach dem Abitur fort und ging 1921 nach Frankreich, um am Amerikanischen Konservatorium in Fontainebleau zu studieren, wo seine Hauptlehrerin die französische Komponistin Nadia Boulanger (1887–1979) war. Während seiner frühen Studienzeit fühlte sich Copland von der Musik Skrjabins (1872–1915), Debussys (1862–1918) und Ravels (1875–1937) angezogen. Die Jahre in Paris boten ihm Gelegenheit, die neuesten Trends der europäischen Musik zu hören und aufzunehmen, darunter die Werke von Strawinsky (1882–1971), Bartók (1881–1945) und Schönberg (1847–1951).

Karriere als Komponist

Nachdem Copland 1924 sein Studium abgeschlossen hatte, kehrte er nach Amerika zurück und komponierte die Sinfonie für Orgel und Orchester, sein erstes großes Werk, das Boulanger 1925 in New York City schuf. Musik für das Theater (1925) und ein Klavierkonzert (1926) erforschten die Möglichkeiten der Verbindung von Jazz und Sinfoniemusik. Serge Koussevitzky (1874–1951), Dirigent des Boston Symphony Orchestra, begann sich für das zu interessieren, was er von dem jungen Komponisten hörte, und er trug dazu bei, ein breiteres Publikum für Coplands – und einen Großteil der amerikanischen – Musik zu gewinnen.

In den späten 1920er Jahren wandte sich Copland einem zunehmend experimentellen Stil mit unregelmäßigen Rhythmen und oft schrillen Klängen zu. Seine Werke waren ganz persönlich; es sind keine äußeren Einflüsse erkennbar Klaviervariationen (1930) Kurze Symphonie (1933) und Aussagen. Die Grundzüge dieser Werke blieben in den folgenden Jahren auf die eine oder andere Weise zentral für seinen Musikstil.

Die 1920er und 1930er Jahre waren eine Zeit tiefer Besorgnis über das begrenzte Publikum für neue (und insbesondere amerikanische) Musik, und Copland war in vielen Organisationen aktiv, die sich der Aufführung und dem Sponsoring widmeten. Dazu gehörten die League of Composers, die Copland-Sessions-Konzerte und die American Composers‘ Alliance. Seine organisatorischen Fähigkeiten brachten ihm von seinem Komponistenkollegen Virgil Thomson (1896–1989) den Titel „natürlicher Präsident der amerikanischen Musik“ ein.

Förderer „amerikanischer“ Musik

Ab Mitte der 1930er bis 1950 bemühte sich Copland ernsthaft, das Publikum für amerikanische Musik zu erweitern, und unternahm Schritte, um seinen Stil zu ändern, wenn er Stücke schrieb, die für verschiedene Anlässe angefordert wurden. Er komponierte Musik für Theater, Ballett und Film sowie für Konzertsituationen. In seinen Balletten— Billy the Kid (1938) Rodeo (1942) und Appalachen-Frühling (1944; Pulitzer-Preis, 1945) – er bediente sich Volksmelodien und entspannte seinen früheren Stil, um zu einem allgemein als „amerikanisch“ anerkannten Sound zu gelangen. Andere bekannte Werke dieser Zeit sind El Salon Mexiko (1935) und Ein Lincoln-Porträt (1942), während die Klaviersonate (1943) und die Dritte Symphonie (1946) die Entwicklung seiner Konzertmusik fortsetzen. Zu seinen berühmten Filmmusiken gehören die für Of Mice and Men (1939) Unsere Stadt (1940) Das rote Pony (1948) und Die Erbin (1949).

Coplands Anliegen, eine Musiktradition im amerikanischen Leben zu etablieren, verstärkte sich, als er Lehrer an der New School for Social Research der Harvard University und Leiter der Kompositionsabteilung am Berkshire Music Center in Tanglewood, Massachusetts, einer von Koussevitzky gegründeten Schule, wurde . Seine Norton Lectures at Harvard (1951–52) wurden veröffentlicht als Musik und Fantasie (1952). Frühere Bücher sind Was in der Musik zu hören (1939) und Unsere Neue Musik (1941).

Beginnend mit dem Quartett für Klavier und Streicher (1950) bediente sich Copland der Methoden des österreichisch-amerikanischen Komponisten Arnold Schönberg, der ein Tonsystem entwickelte, das auf keiner Tonart basiert. Das verwirrte viele Zuhörer. Zu Coplands wichtigsten Werken dieser Jahre zählen die Piano-Fantasie (1957) Nonett für Streicher (1960) Konnotationen (1962) und Inscape (1967). Das zarte Land (1954) stellt eine Erweiterung des Ballettstils auf die Opernbühne dar.

Spätere Jahre

Copland verbrachte die letzten Jahre seines Lebens hauptsächlich in der Gegend von New York City. Er engagiert sich in vielen kulturellen Missionen, insbesondere in Südamerika. Obwohl er fast zwanzig Jahre lang nicht im großen Rampenlicht stand, blieb er bis zu seinem Tod in der Musikwelt halbwegs aktiv, als er 1983 seine letzte Symphonie dirigierte.

Aaron Copland starb am 2. Dezember 1990 in New York City. Er blieb in Erinnerung als ein Mann, der junge Komponisten ermutigte, unabhängig vom Stil ihre eigene Stimme zu finden, so wie er es sechzig Jahre lang getan hatte.

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